Visita museo de arte Luis Angel Arango

En el museo de arte de Bogotá pudimos apreciar obras tanto de artistas colombianos como artistas reconocidos internacionalmente como Monet, Picasso, Bacon, Richard Estes entre  otros  a continuación algunas de las obras que se pueden visitar en el museo.

Tambien vimos obras representativas del expresionusmo abstracto como las dos anteriores.

Exposición León Ferrari

Durante la exposición de León Ferrari presentada por el Museo de arte del Banco de la Republica, se exponen mediante diferentes medios de expresión, como  documentación, imágenes, planos, collages, esculturas, dibujos abstractos, lecturas brailles y fotografías una fuerte crítica a temas de trascendencia como lo son la religión y la violencia. Las obras disponibles en esta exposición muestran la diversidad de materiales y ratifican el mensaje inicial del artista. “Me parece que todo, es materia prima para hacer arte, desde colores, arcillas hasta el tiempo las ideas la política, la muerte, lo podrido lo cursi…”[1], “Lo único que le pido al arte es que me ayude a decir lo que pienso con la mayor claridad posible…”[2]

La exposición vista desde un plano más general, con el paso de cada obra, buscara invitar a las personas a sentir, crear y expresar. Durante el recorrido el artista relacionara la definición de arte y su creación con los contenidos políticos y religiosos que abordan esta sociedad. El artista hace uso de elementos orgánicos, expresivos e interactivos (arte experimental, como lo auto denomina León Ferrari) para atraer a un público más amplio y así mismo crear en ellos una conciencia de reflexión acerca de el mensaje que da la iglesia a la población haciendo una crítica a la idea de infierno que esta establece. “...para mis infiernitos, yo use santitos y virgencitas de yeso,…, yo les tomo del pelo, no pretendo que torturen a nadie, además están muertos y no creo nadie los resucite.” [3]

En las obras vemos reflejados temas como: religión, arte, poder, “nunca más”, política y el exilio entre otros, pero en mi opinión lo que más resalta es la crítica y el sarcasmo que se le da a la iglesia su perspectiva de infierno, y la relación con la dictadura en argentina. Las diversas formas en las que representa el infierno con cualquier tipo de material y la forma en que lo relaciona con el periodo de dictadura de su país originario hacen énfasis en el poder de la religión sobre la población. “la biblia tiene esa característica cualquiera puede sacar de ella lo que quiera solo hace falta elegir un versículo... Mientras nosotros juzgamos a Adolfo por sus crímenes, cuando vemos al cristiano nos fijamos solamente en sus aspectos tolerantes, no me parece muy tolerante una religión que te condena al fuego eterno.”[4]

En conclusión la exposición transmite de manera diversa las experiencias del artista en forma de arte experimental. Muestra  de manera directa su opinión acerca de la biblia y crítica el miedo que esta infunde en la sociedad. Por lo tanto la exposición nos muestra las diversas formas del arte y como este se traduce en libertad total: radical y absurda. “En un momento decíamos que el arte no se media por la belleza sino por la eficacia del mensaje. Ahora digo que el arte no se puede definirlo que se es que no tiene límites, que no tiene reglas. Me interesa decir cosas, y usar el medio para este fin.”[5]

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[1] Ver exposición León Ferrari

[2] Ver exposición León Ferrari

[3] Ver exposición León Ferrari

[4] Ver exposición León Ferrari

[5] Ver exposición León Ferrari

Vladdo

Goya, pintor y grabador español precursor de la vanguardia pictórica del siglo XX, es reconocido por reflejar en sus pinturas  la realidad del momento por el que atravesaba su época. Un ejemplo de esto es "Los desastres de la guerra" donde refleja la realidad de un momento bélico que se aplica a la barbarie de todas las guerras.

Caricaturista colombiano reconocido como Vladdo, es un perfecto ejemplo de la representación de la realidad colombiana y mundial a través de este medio. “Vladdo”  utiliza el humor negro para hacer críticas a temas delicados como lo son la pobreza, el desplazamiento y la guerra.  Captura la atención del lector mediante una burla de las tragedias que invaden nuestro país. Proponiendo una forma de informar a la gente.

En la anterior caricatura se muestra de forma irónica la importancia que se le da al desplazamiento forzado en nuestro país. Esta es un reflejo de la realidad colombiana y de cómo el gobierno le resta importancia a sus problemas sociales. Al igual ó de forma similar a Goya, el propósito principal de Vladdo es tomar acciones, actividades y situaciones de la actualidad a la que se enfrenta,  y reflejarlas en su trabajo.

Aunque la forma de expresión de Goya y de Vladdo difiere en muchos aspectos, es importante resaltar que su propósito es el mismo por lo que podemos encontrar  a estos dos artistas como críticos de la sociedad. Utilizan el arte y sus medios más cercanos para abrirles los ojos a sus lectores acerca de algo que es tan propio y a su vez tan ajeno.

Nadín Ospina y el fenómeno precolombino

Arte por Nadín Ospina

Arte   precolombino 

“El arte se convierte en la opción postmoderna de configuración religiosa” [1]

Colombia es un país caracterizado por su gran diversidad étnica, esto se lo debemos a los diferentes grupos indígenas, que preservan el pensamiento de grupos consolidados en la época precolombina. El legado de estos grupos se ha convertido en patrimonio nacional llevando de la mano el establecimiento de la identidad colombiana. En el siguiente texto se analizara la influencia de la cultura precolombina en el desarrollo y concepto de las obras de Nadín Ospina, exitoso artista bogotano, reconocido nacional e internacionalmente por sus exposiciones individuales.

En esta ocasión se hablara del destacado trabajo en orfebrería desarrollado en Colombia. En el valle se da un estilo abstracto, simétrico y esquemático, el anterior va a ser adoptado por  Nadín Ospina, como pieza característica. Aunque el propósito de este artista, no es evidentemente, recrear el mismo concepto en el que basaban la escultura original, si pretende mostrar un lado crítico hacia la cultura colombiana sin desprenderse de las características principales de la escultura.

Inspirado en el arte precolombino, Ospina, replantea el sentido original de este objeto orfebre y lo modifica, en este caso con cierto toque de ironía. Este artista se encarga de fusionar el mundo de hoy (el arte moderno) con el pasado mediante una imagen, evidenciando la evolución artística de las obras.

 “Era una parodia de la reconstrucción del pasado en el ambiente descontextualizador del museo que impone una mirada aséptica, estética y desnaturalizadora sobre objetos de función religiosa: el museo como espacio sacro escenifica una estilización del pasado precolombino e idealiza una coherencia histórica que oblitera los sangrientos episodios de la Conquista española.”[2]

En conclusión mediante la apropiación de sentidos, Nadín Ospina, nos muestra un claro ejemplo de cómo la influencia de una cultura, en este caso la precolombina, transgrede las fronteras y une el arte de la actualidad con el arte precolombino, mediante la adaptación de diferentes aspectos como artísticos y literarios. De la obra que se analizo notamos que el autor utiliza la noción de cultura e identidad como instrumentos irónicos, con el propósito de hacer una crítica a la cultura colombiana.

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[1] Publicado en la Revista Poliester #11 Noviembre de 1995. México D. F (http://www.nadinospina.com/precolombino.html)

[2] Publicado en la Revista Poliester #11 Noviembre de 1995. México D. F

Historia del arte

Para comenzar vamos a hacer un pequeño repaso sobre la historia del arte y todos los movimientos que se han dado a través de la historia.

ARTE GRIEGO:

Pensamiento sobre la belleza y perfección de la naturaleza. Los símbolos se convierten en esquemas y prototipos, idealizan figuras humanas como dioses.

Cerámica:

·         Periodo Geométrico: estilo geométrico en jarrones, representación de animales, humanos, batallas y grandes epopeyas griegas.

·         Periodo Arcaico (776- 500 a.c): Figuras negras sobre fondo rojo, estilo orientalismo.

·         Periodo Clásico (500-338 a.c): Figuras rojas. (530- 480 a.c)

·         Periodo Helenístico (323- 30 a.c): Fondo blanco, mas colores.

Arquitectura:

·         Templos:   in antis, próstilo, anfi próstilo, peritero.

·         Columnas:

Escultura:

·         Periodo Arcaico (Siglo VII- 500 a.c):

Belleza asociada a los desnudos (músculos), se ve más movimientos en las esculturas.

Cara de las esculturas más seria, animales empiezan a formar parte de las obras.

·         Periodo Clásico (480-313 a.c): movimiento de cuerpos más marcado, se empieza a formar el canon de la figura humana (Policleto).

·         Periodo Helenístico: se busca la perfección de las figuras.

ARTE ROMANO (270 a.c - 430 d.c):

Arquitectura:

Su legado más importante es el uso del arco de medio punto para formar estructuras de más pisos, el arco permite aligerar el peso por lo que da resistencia a las construcciones. 

Pintura:

Las pinturas murales fueron características del arte romano, representando sus batallas en ellas. Sus métodos más usados eran pinturas en fresco, temple y encausto.

Estilos:   incrustaciones, arquitectónico, ornamental, ilusionismo.

Escultura:

Se diferencia  por no usar desnudos.

ARTE BIZANTINO (S. VI):

Influenciado: por los helenísticos, religión, cristiandad.

·         Cubierta abovedada, cúpula sobre pechinas (separa al muro de la cúpula).

·         Decoración capiteles.

·         Novedosos sentidos espaciales.

·         Primera obra cristiana, iglesia santa Sofía.

·         Mosaicos: piedras pintadas.

·         Vitral: crear efecto de luz.

·         Primer retrato icono para evangelizar (panto cráto).

·         Iconos bizantinos, sobre piedra y madera grabada.

ARTE EDAD MEDIA S. (V- XV)

·         Religión dominante.

·         Frescos monumentales.

·         Mosaicos en iglesia.

Se divide en dos:

1.       Arte románico: tiene un carácter religioso / divulga  la fe cristiana.

·         Arquitectura: aspecto solido y severo. (Arco medio punto / bóveda de cañón).

·         Escultura: No llamar la atención.

·         Pintura: murales partes frontales de iglesias miniaturas. Explican los textos religiosos.

2.       Arte Gótico: desarrollo de nuevas técnicas.

Arquitectura:

·         figuras estilizadas por altura y luz.

·         Arco ojival ó compuesto: representación de sentido magnifico.

·          Bóveda de crucería.

·         Técnica claro oscuro

·         Vitrales: simbolizan la presencia de Dios, la sabiduría de Dios penetra por la ventana.

Escultura:

·         Las figuras son representadas de forma más natural.

·         Temáticas religiosas.

·         Las figuras son más elaboradas e intentan representar el movimiento.

Pintura

·         Mas  “realismo” y volumen.

·         Esta fue la época de auge de la pintura al fresco cuyo proceso ha permitido que se conserven hasta este tiempo.

RENACIMIENTO:

Bajo renacimiento (S. XV): también conocido como el quattrocento, en esta etapa se da la ruptura del estilo gótico.

Alto renacimiento (S.XVI): también conocido como el cinquecento.

·         Toma de modelo las formas clásicas y las modifican.

·         Busca desacralizar la iglesia.

·         Loa artesanos son reconocidos como artistas.

·         Se inspira en formas de la naturaleza.

·         Efectos de ilusión.

·         Se desarrolla la perspectiva: altura y volumen para dar profundidad.

·         Concepto del mundo más amplio.

Principales representantes:

·         Miguel Ángel

·         Leonardo da Vinci

·         Sandro Botticelli

·         Paolo Veronese

·         Lucas Van Leyden

BARROCO ( XVII-XVIII):

·         Principal característica el uso del dorado, simboliza el rey del sol que significa poder!

·         El uso exagerado de los detalles

·         Continuación del renacimiento

·         Desbordada utilización de la decoración

·         La ideología de la época es naturalista espiritual y religioso.

Escultura:

·         llamar la atención de los sentidos.

·         Esculturas escénicas, casi como si lo estuvieran actuando.

·         Temas: heroicos y alegóricos.

Arquitectura:

·         Cúpulas

·         Urbanismo en los templos.

Pintura:

·         Estilo naturalista

ROCOCÓ

·         los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones

·         en los interiores donde la decoración rococó consiguió los mayores logros.

Pintura: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo

Arquitectura: Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos

 Escultura:

Decoración:

“El Numero de Oro”

El número de oro, también conocido como la proporción aurea, representado normalmente con la letra griega  (Fi), que es la inicial del nombre del escultor griego Fidias que lo tuvo presente en sus obras. El número de oro es un concepto matemático que podemos encontrar en nuestra vida cotidiana a veces sin notarlo, está ligado a la naturaleza y el arte en muchos sentidos. “Aparece repetidamente en el estudio del crecimiento de las plantas, las piñas, la distribución de las hojas en un tallo, la formación de caracolas... y por supuesto en cualquier estudio armónico del arte.”[1]

“El valor numérico de  es de 1,618... . es un número irracional como PI, es decir, un número decimal con infinitas cifras decimales sin que exista una secuencia de repetición que lo convierta en un número periódico. Es imposible conocer todas las cifras de dicho número (al igual que PI) y nos contentamos con conocer unos cuantos dígitos suyos suficientes para la mayoría de sus aplicaciones.”

Podemos encontrar el número áureo en distintos escenarios como en la naturaleza, las construcciones e incluso en el hombre y sus proporciones. Este número ha sido utilizado desde la época de los egipcios para la construcción de edificios y ha sido explotado en las diferentes facetas del arte. También lo podemos encontrar en las cajetillas de tabaco, construcción de muebles, marcos para ventanas, camas.

En conclusión el numero de oro, podemos encontrarlo incluso en las cosas más sencillas en nuestra vida cotidiana y ha ayudado a diferentes avances en el arte la naturaleza e incluso en la comprensión de las proporciones del hombre.

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[1] Ver online

http://www.juntadeandalucia.es/averroes/recursos_informaticos/concurso2002/alumnado/quemide.html

Arte ≠ Vida: Acciones de artistas de las Américas, 1960-2000.

Durante la exposición arte y vida organizada por El Museo del Barrio, New York, se exponen las diferentes acciones de arte en América. Mediante diferentes medios de expresión, como  documentación, videos, obras, música, esculturas y fotografías esta exposición refleja diferentes hechos importantes y cruciales en la historia de América. Las obras disponibles en esta exposición capturan de de manera cronológica o temporal, movimientos representativos en diferentes partes del continente.

La exposición vista desde un plano más general se convierte, con el paso de cada obra, en una queja a las problemáticas sociales que enfrenta el continente, resaltando hechos relevantes en la historia de cada país. Los artistas hacen uso de elementos orgánicos, expresivos e interactivos para atraer a un público más amplio y así mismo crear en ellos una conciencia de reflexión acerca de las situaciones sociales por las cuales atraviesa el continente. “los artistas se dirigen hacia su cuerpo o a los cuerpos de los otros como una manera de reflexionar sobre la sociedad, la política, la violencia, el género, o al arte mismo.”[1]

En las obras vemos reflejados temas como: los subalternos de la sociedad, sociedad patriarcal, violencia publica, racismo, machismo, políticas públicas y discriminación entre muchos otros. Muchas de estas  obras tienen como característica que son acontecimientos interactivos que se dan en espacios públicos lo cual permite plasmar de una manera más eficaz y sencilla la realidad de una comunidad. Todos los artistas utilizan métodos radicales para abordar temas como las dictaduras militares en América latina, buscando mejorar las condiciones de vida en la comunidad acudiendo al recuerdo y la memoria.

“Evocando  y desafiando las delineaciones y existencia de las fronteras a través de prácticas conceptuales, acciones performativas, intervenciones e inclusive teatro callejero los artistas denuncian las ramificaciones de la frontera en cuestiones de inmigración identidad y comunidad en un intento por incitar al cambio en las instituciones del arte y en la sociedad en general.” [2]

En conclusión la exposición transmite de manera diversa las enfermedades sociales y políticas de la comunidad americana, utilizando acciones de arte que capturan de manera cronológica los movimientos representativos de la historia y la cultura  del continente. Por lo tanto la exposición nos muestra las diversas formas del arte y como este se traduce como libertad. ”arte se traduce en una libertad total: radical y absurda.”[3]

“El arte no es ni bueno, ni útil, ni malvado, ni es un oficio ni un artificio, etc. Sin embargo tiene una finalidad y es espíritu y libre juego. La finalidad estética se refiere a la conciencia misma, a toda ella, sin escisiones, ni determinismos, por ello es una finalidad sin fin."[4]

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[1]  Ver exposición Arte ≠ Vida: Acciones de artistas de las Américas, 1960-2000

[2] Ver exposición Arte ≠ Vida: Acciones de artistas de las Américas, 1960-2000

[3] Ver arte según Samuel Beckett por Andreu Navarra 

[4] Ver  Immanuel Kant: Critica del Juicio.